Ya sea que haya recorrido la vertiginosa rotonda del Museo Guggenheim y se haya preguntado qué se necesita para obtener arte en las paredes (redondeadas) o si está considerando una carrera en las artes, no busque más.
Nos pusimos al día con Nancy Spector, subdirectora y Jennifer y David Stockman Curadora en Jefe en el Museo Guggenheim para escuchar a un líder en el campo y echar un vistazo al acto de equilibrio que se requiere para estar al frente de uno de los más prestigiosos del mundo. museos de arte moderno. Spector compartió generosamente sus ideas sobre el arte en la era digital, comenzando en la industria como pasante (nota del escritor: yo también) y la primera obra de arte que tuvo un impacto en ella.
¿Puede describir lo que implica ser subdirector y curador jefe de un museo de arte de clase mundial?
En pocas palabras, diría que es un acto de equilibrio intenso. Como subdirector que trabaja en estrecha colaboración con el director Richard Armstrong, soy responsable del desarrollo de contenido en el Guggenheim de Nueva York, pero también de nuestras filiales en Bilbao, Venecia y Abu Dhabi (que actualmente se encuentra en desarrollo). Pienso en la institución en un contexto global y en lo que eso significa para nuestra programación, nuestra colección y nuestro compromiso con las culturas de todo el mundo.
Luego está la gestión más granular de nuestro calendario de exposiciones, trabajando con los curadores individuales para realizar mejor sus programas, asegurando que nos mantengamos en la misión, produzcamos nuevas becas e innovación en primer plano. Todos somos recaudadores de fondos en el museo, por lo que gran parte de mi tiempo también lo dedico a cultivar patrocinadores, ayudar a identificar donantes y patrocinadores individuales y formular iniciativas que puedan atraer apoyo. Como curador, también tengo mis propios proyectos de exhibición para investigar y producir, que siempre ha sido el núcleo de mi práctica.
¿Cómo es un día típico en tu oficina?
No creo que alguna vez tenga un día "típico" para citar. Puedo estar en reuniones consecutivas con otros comisarios, gerentes departamentales, miembros de la junta o invitados. Los temas abarcan desde discusiones de programación, revisiones de calendario y presupuesto, planificación estratégica, preparación de adquisiciones, política de gestión de cobranza y revisiones de instalación, por nombrar algunos. Pero también puedo estar en la biblioteca o escribir durante gran parte del día. Luego están las visitas a galerías y estudios, para las cuales trato de reservar tiempo.
¿Cómo equilibra la parte de investigación y exhibición de ser curador con las tareas administrativas de dirigir una institución cultural? ¿Cómo llevas ambos sombreros?
Trato de bloquear el tiempo de investigación, lectura y escritura por adelantado en mi calendario para tener días sin reuniones. Pero, para ser honesto, gran parte del trabajo creativo se realiza "después de horas", si ya existe tal cosa.
Maurizio Cattelan: All, Museo Solomon R. Guggenheim, 4 de noviembre de 2011 - 22 de enero de 2012. David Heald © Fundación Solomon R. Guggenheim
¿Podría hablar un poco sobre comisariar exposiciones en el edificio Frank Lloyd Wright, una declaración del artista en sí misma?
La arquitectura excéntrica del Guggenheim ofrece uno de los lugares más gloriosos para ver el arte. Claramente, soy parcial, después de haber trabajado allí durante tantos años, pero la combinación de poder ver una obra de arte de manera íntima, de pie justo frente a ella en una de nuestras bahías, y verla a través de la extensión de la Rotonda, es una experiencia singular. Como curador, debe tener en cuenta esta realidad espacial al planificar una instalación. Todos tendemos a pensar linealmente, cómo se lee una cosa al lado de otra, pero en el Guggenheim, también hay que pensar en cómo se leerá el trabajo verticalmente, cómo se acumula cuando se ve con lo que está arriba y abajo en las rampas .
Mis proyectos de exhibición más memorables han sido aquellos que involucran a artistas contemporáneos que responden al edificio de maneras asombrosas y sin precedentes. Matthew Barney incorporó el edificio como personaje en su película Cremaster 3 ; filmó una secuencia de sueños completa allí en la que escaló el interior. Este material de archivo, literalmente, se convirtió en la pieza central de una instalación que comprende escultura, video y fotografía, que resumió todo el ciclo Cremaster de cinco partes. Para la exposición que comisé con Tino Sehgal, dejamos la rotonda completamente vacía como telón de fondo de su trabajo basado en la conversación, este progreso, en el que los visitantes entablaban conversaciones con cuatro generaciones de "intérpretes" formados por artistas mientras caminaban por las rampas . Y Maurizio Cattelan, en un gesto provocativo y autocrítico, suspendió cada obra que produjo desde el tragaluz del museo en un comentario irónico sobre la naturaleza totalizadora de las exposiciones retrospectivas.
¿Cuál fue tu primer trabajo en el mundo del arte?
Después de recibir mi maestría, hice una pasantía en el Guggenheim, que, por fortuna para mí, se convirtió en un trabajo real. Fui contratado como asistente curatorial, y aparte de un breve período de tiempo, he estado en el museo desde entonces.
¿Qué consejo le darías a los jóvenes interesados en una carrera en las artes?
Siempre aconsejo obtener al menos una maestría en historia del arte o teoría cultural. Parece cada vez más importante hacer pasantías; casi necesita pasantías para obtener pasantías en estos días; Pero la experiencia práctica es realmente importante.
Además de lo práctico y lo teórico, sugeriría encontrar un mentor, que pueda ayudar a navegar por los diversos reinos del mundo del arte. Hay diferentes caminos si desea trabajar en un museo o una galería o una casa de subastas o comenzar su propio espacio alternativo o encontrar un diario.
Matthew Barney: El ciclo CREMASTER, Museo Solomon R. Guggenheim, 21 de febrero de 2002 - 11 de junio de 2003. David Heald © Fundación Solomon R. Guggenheim
¿Crees que se puede enseñar la curaduría (en el contexto de los muchos programas de curaduría de las escuelas de postgrado)?
Tuve una capacitación tradicional en historia del arte y aprendí curaduría en el trabajo, así que es difícil para mí decirlo. Creo que el ejercicio de formular y comunicar una tesis de exhibición se puede enseñar, pero las habilidades de instalación y la ejecución de la visión de un artista solo se pueden perfeccionar con la experiencia.
Es un adagio que Nueva York ha cambiado mucho en una generación, desde 57th Street hasta Soho y Chelsea a donde sea que estemos ahora con docenas de bienales internacionales y arte experimentado en línea. ¿Qué crees que ha cambiado para mejor? ¿Qué ha cambiado para peor?
El hecho de que el arte se haya convertido en un "estilo de vida" con tantas personas ricas que intentan reunir colecciones de trofeos y ferias de arte convirtiéndose en destinos de fiesta no puede ser bueno. No es bueno para los artistas que se ven obligados a hacer continuamente "productos" para mantener todas estas ferias, que proporcionan un lugar sesgado para la visualización de su trabajo. Cada vez menos personas ven las exposiciones de la galería de artistas, donde pueden presentar un cuerpo de trabajo que presenta un argumento específico. En su lugar, se encuentran con la pieza aislada en un stand en una feria. Dicho esto, este mayor interés se traduce en una mayor asistencia a los museos, lo que ayuda a apoyar el lado sin fines de lucro de la ecuación.
Creo que la expansión de nuestra cultura digital ofrece un cambio positivo y prometedor en la forma en que las personas crean, distribuyen y consumen la cultura visual. No estoy necesariamente apoyando el "arte en Internet", sino cómo los artistas usan diferentes plataformas en línea para llegar a nuevas audiencias. Por ejemplo, el Guggenheim colaboró con Google hace unos años para lanzar un programa de premios que reconoció videos creativos en YouTube. Fue un experimento radical para nosotros, pero creemos que YouTube (y también Vimeo y ahora Vine) ofrece a los talentos jóvenes o emergentes las herramientas para hacer y distribuir el trabajo de formas que nunca antes estuvieron disponibles. De acuerdo, hay poco o ningún filtro, pero eso es lo que proporcionamos.
Matthew Barney: El ciclo CREMASTER, Museo Solomon R. Guggenheim, 21 de febrero de 2002 - 11 de junio de 2003. David Heald © Fundación Solomon R. Guggenheim
¿Cuál es la primera obra de arte que tuvo un impacto duradero en usted?
Bueno, mis padres tenían un facsímil de una pintura de goteo Jackson Pollock en nuestra sala de estar, así que fui expuesto a la abstracción a una edad muy temprana. El verdadero punto de inflexión para mí fue la exposición de Joseph Beuys en el Guggenheim, que vi mientras estaba en la universidad, sin saber nada sobre el artista (o el arte contemporáneo en general, ya que estudiaba danza y filosofía). La instalación, que era narrativa y fantástica, me pareció urgente de alguna manera y quería saber más.
¿Cuál es la última exposición que realmente te emocionó?
Es una combinación de la reciente retrospectiva de Pierre Huyghe en el Centro Georges Pompidou y la encuesta de Philippe Parreno en el Palacio de Tokio, ambas en París. Ambos espectáculos animaron sus entornos usando sonido, luz, tiempo y narración de historias verdaderamente únicas. Pierre utilizó elementos vivos, un perro y artistas disfrazados, como parte de la instalación. Fue la primera exposición que encontré que me miró mientras lo veía.
